«Resurrección de Cristo», tapicería flamenca / Museos vaticanos
Felices Pascuas a los queridos visitantes y lectores de esta página. Que los mejores deseos de esta época dichosa se realicen en las vidas de cada uno.
El gran Bach nos proporcionó el soundtrack para el pasado Viernes Santo; volvemos hoy a su inagotable genio para tomar la música con que alegrar la ocasión: Et Resurrexit, parte del Symbolum Nicenum (Credo) de la monumental Misa en Si menor. La versión corre a cargo de Agnieszka Żarska y el coro y orquesta “Baroque Collegium 1685”, espléndida agrupación musical polaca que presentó la citada obra el año 2023 en Przemyśl, Polonia.
A diferencia de sus dos grandes Pasiones, la de San Juan y la de San Mateo, cuyos años de creación son claros y definitivos (1724 la primera, 1727 la segunda), con la Misa en Si menor el maestro realizó una labor que abarcó 25 años. Las partes iniciales, Kyrie y Gloria, fueron escritas el año 1733 y ofrecidas al nuevo príncipe elector de Sajonia, Augusto III (católico y rey de Polonia) a fin de ganar su favor.
A contar del año 1747 hasta 1749 el maduro compositor amplía la composición y da forma a una misa completa. Agrega el Credo (del cual, luterano al fin, toma distancia y llama “Símbolo Niceno”), el Sanctus/Hossana/Benedictus y el Agnus Dei. En todo esto Bach reutiliza obras anteriores, pero llevando a cabo un intensivo trabajo de adaptación gracias al cual logra una summa, es decir, un compendio en el que selecciona, reelabora y combina estilos y técnicas de toda su carrera (desde cantatas tempranas hasta movimientos nuevos de los años 1740).
En el caso de “Et Resurrexit”, su música procede aproximadamente del año 1714, de una cantata secular festiva hoy perdida, lo cual explica su carácter de “fanfarria danzante” que Bach ajustó perfectamente al texto sagrado.
Un ángel consuela a Cristo en Getsemaní – Carl Bloch
En el día de la muerte de Cristo
para la cristiandad occidental, les comparto la obra que probablemente sea la síntesis más extraordinaria lograda jamás entre fe, arte, técnica musical, contenido, emoción y expresión formal: me refiero a la Pasión según San Mateo, de Juan Sebastián Bach.
La versión que les comparto hoy se ha estrenado (y subido a las redes) ayer, 2 de abril. Los intérpretes son el gran maestro japonés Masaaki Suzuki, proverbial especialista en la obra del compositor alemán; la agrupación “Netherlands Bach Society”, una de las mejores posibles en el panorama actual de la interpretación “históricamente informada” y, vamos, de la música en general; y una pléyade de solistas vocales que podrán descubrir ustedes mismos bajo estas líneas.
Mientras nuestro mundo parece precipitarse —otra vez— en el horror, pueda la Belleza a través de obras como ésta salvaguardar nuestra humanidad.
Cerrando la temporada navideña les comparto hoy un registro de obras para trompeta barroca escritas por grandes compositores italianos a cargo de John Wallace en el instrumento principal acompañado por The Philharmonia. El disco incluye oberturas (llamadas entonces sinfonías), conciertos y sonatas. La lista de compositores no hace necesaria mayor explicación:
Vivaldi, Albinoni, Torelli, tres grandes de la región del Véneto;
Alessandro Scarlatti, principal nombre de la escuela napolitana;
Arcangelo Corelli, figura crucial en la evolución del concierto;
Giuseppe Matteo Alberti, menos conocido en la actualidad pero de prolífica e inventiva creatividad; y, a modo de invitado,
Henry Purcell, el más grande compositor inglés del barroco y autor de páginas memorables para este instrumento.
Disfruten del sonido radiante de la trompeta y la versátil creatividad de estos genios en el enlace inferior:
Hace unos años compartí con ustedes un disco centrado en música instrumental italiana del Seicento (los 1600s, es decir, el siglo XVII) que, para gran alegría mía, fue muy apreciado hasta hoy por ustedes, queridos lectores. Habrán notado que el amor por la llamada Música Antigua tiene en esta página la misma ciudadanía que el romanticismo germano, la música popular vienesa o la música étnica de diferentes rincones del mundo. Así pues, hoy regresaremos al fascinante siglo 17 italiano.
A veces se tiene la impresión que los italianos del Renacimiento lo inventaron todo. A semejante frase hay que hacerle varios descuentos. Pero convengamos que nuestro mundo nació allí, en la Italia del Renacimiento y su giro copernicano (nunca mejor dicho) en cuanto a tecnología, filosofía, técnicas artísticas pero sobre todo en su concepto del poder y de la actividad del hombre sobre el mundo.
La música del Renacimiento y primer barroco italianos (una transición nada rupturista) fue primero vocal y después instrumental, dado que los instrumentos todavía se hallaban en fase de maduración y perfeccionamiento. A diferencia de otras artes como la pintura, la escultura o la arquitectura, que lograban rápidas y asombrosas cimas desde el siglo XV, la música debió esperar un poco más hasta ofrecer un equivalente cultural de la misma grandeza. Lo hizo con la ópera, esa genialidad que supone la suma de las artes escénicas.
Pero también la efervescencia expresiva de aquel momento se tradujo en formas musicales poco a poco más elaboradas y mejor formuladas. A partir de necesidades prácticas los compositores fueron encontrando las ideas que probarían ser de larga vigencia, como la agrupación de danzas en suites, o formas gestadas poco a poco desde la palabra misma con que se las denominaba (sonata, tocata, cantata…) o la búsqueda de acompañamiento instrumental idóneo al canto solista.
En esta ocasión el afamado conjunto Musica Antiqua Praha nos trae una cuidada y muy hermosa selección de obras del Seicento.
La selección, grabada entre abril de 1989 y marzo de 1991 y publicada en 1992, incluye piezas tanto vocales como instrumentales de Marco Uccellini, Ignatio Donati, Francesco Turini, Tarquinio Merula, Giovanni Picchi, Horatio Tarditi, Francesco Turini, Giovanni Paolo Cima, Salomone Rossi, Biagio Marini. La calidad de las voces solistas (sopranos, tenor, barítono y bajo) es excelente, tanto como la calidad interpretativa y la belleza sonora del conjunto, que sin dificultad nos llevará de viaje a uno de los momentos más revolucionarios de nuestra Historia.
Un día como hoy, en 1759, fallecía en Inglaterra un hombre de 74 años objeto de grandes honores: el extraordinario Georg Friedrich Händel.
Para entonces ya era un británico más, nacionalizado como tal adaptando su nombre a George Frideric Handel. El gran músico sajón tuvo en verdad muchas banderas flameando en su inspiración: tanto su cuna alemana como los años en Italia, o la influencia francesa o el estilo inglés interrumpido con la muerte de Purcell y que parecía esperar su llegada a Inglaterra para culminar. Muchas maneras del barroco musical decantaron en la poderosa personalidad de Händel, quien fue capaz de asimilar lo ajeno y convertirlo en algo propio, inconfundible y destinado a perdurar.
Tengo amigos que idolatran a Händel, otros que lo condenan por su «grandeza fácil»... entre unos y otros emerge el «hombre-montaña», como le apodaban debido a su estatura y corpulencia. Un compositor verdaderamente gigantesco, ante quien el propio Beethoven se inclinaba, y al que Romain Rolland, apuntando la cercanía temperamental de ambos genios, llamó «un Beethoven encadenado».
En atención a que estamos en Semana Santa les compartiré hoy un video con la «Brockes Passion», oratorio compuesto cuando el gran músico se acercaba a la treintena. Es una obra que ejerció influencia sobre el mismísimo Johann Sebastian Bach y su Pasión según San Juan.
Queridos amigos, ¡por fin empezamos el año en el blog! Y para comenzar de la mejor manera, vamos con Johann Sebastian Bach.
La anterior es una muestra realmente ejemplar de la “moderna práctica de la música antigua”, es decir, el sonido y la interpretación históricamente informados. Pero antes de esta práctica, la música de Bach concitó otros enfoques que me parecen igual de reveladores. Me refiero a las transcripciones para piano de algunas de sus obras. Incluyo dos de mis favoritas, deseando que las disfruten, que tengan una excelente semana y que la Música nos mantenga unidos y animosos en este año, contra viento y marea:
Ana Magdalena y Juan Sebastián / Escena de «Crónica de Ana Magdalena», 1968
Brevemente: para el aniversario 335 del compositor más monumental del barroco y uno de los más grandes de Occidente (junto a otro alemán que celebra este año) les traigo un obsequio: una selección del libro de piezas breves que escribió Bach para su amada segunda esposa, Ana Magdalena, y en el cual figuran muchas de las obras más entrañables y conocidas del inmenso genio de Eisenach.
Esa colección se conoce hasta hoy como «Pequeño libro de Anna Magdalena Bach», o más fielmente traducido «Cuaderno para piano de Anna Magdalena Bach», que se refiere en realidad a dos cuadernos, uno de 1722 y otro de 1725, que registran obras del propio Juan Sebastián como de otros compositores, principalmente para teclado solo pero también unas pocas para voz acompañada.
El disco que hoy les obsequio se enfoca en el segundo cuaderno, el de 1725, que es propiamente el «Pequeño libro» famoso. Sus intérpretes son Adele Stolte (soprano), Günther Leib (barítono) y Herbert Collum (clave):
Monumento a Juan Sebastián Bach en Eisenach / imagen: Robert Scarth
El gran Juan Sebastián está de aniversario hoy: 335 años. Bueno, de cumpleaños el pasado 21 de marzo según el calendario juliano, que regía entonces en Eisenach, y hoy 31 de marzo según nuestro calendario gregoriano. ¡Da igual si nació bajo la contabilidad de Julio o Gregorio!: el caso es que uno de los músicos más grandes (y hay bastante acuerdo en cederle el podio supremo) hoy, tres siglos después, nos asombra sin falla y sin cesar.
Abajo comparto como homenaje la “Chacona”, pieza final de la Partita nº 2 para violín solo (BWV 1004), obra de la cual Brahms hizo un arreglo para piano (mano izquierda sola) y comentó que si semejante universo en miniatura hubiera debido concebirlo él solo, la extrema tensión y concentración emocional lo habrían vuelto loco.
No andaba perdido: Bach era muy (muy) aficionado a la numerología y en esta obra deja ciertas claves que han permitido rastrear dos corales luteranos que evocan la pérdida y la esperanza, pues Bach escribió esta pieza cuando había quedado viudo de su primera mujer:
Fue la erudita alemana Helga Thoene quien realizó esa reveladora investigación a la Chacona, que la llevó a descubrir los corales “citados” de manera críptica por el compositor. A partir de su análisis hubo artistas que hicieron reconstrucciones muy logradas: es famosa la versión de The Hilliard Ensemble en el disco “Bach: Morimur”, pero esta vez comparto otro arreglo con méritos propios a cargo de Emma Kirkby (soprano), Carlos Mena (tenor) y José Miguel Moreno (laúd):
Sé que he dejado un poco de lado esta querida página y créanme, no ha sido cosa voluntaria, sino sólo suprema escasez de tiempo. Los proyectos de temas o de discos para generar contenido siguen ahí, dando vueltas en mi cabeza, pero necesito algo de calma y distancia para sentarme a redactar. En tanto no disponga de lo suficiente, debo dejar las cosas en las mejores manos, las de Bach. Como la última entrada ha sido una sentida aria para contralto en Semana Santa... volvamos a un aria de contralto, esta vez de la Cantata BMV 24. Una preciosidad que les animo a escuchar tantas veces como gusten:
Dormitorio en la casa natal de Johann Sebastian Bach / Eisenach
333 años se cumplieron del nacimiento de uno de los compositores más grandes de la Historia (y habrá quien pueda argumentar buenas razones para concederle el podio supremo). Aunque uno pueda ser “devoto de otros altares” en la música, al final todos los caminos vuelven a Bach. Condensó la tradición precedente, la reformuló y sentó la base de todo lo que se hizo después; así de tremendo es su legado. Para mí sigue siendo una aventura de descubrimiento (no domino la obra integral de Bach... ¡cómo podría!) que siempre depara hallazgos. Considerando que la meta de su esfuerzo creativo fue nada menos que Dios, se comprende mejor que, de algún modo, su producción tenga esas misteriosas cualidades de intemporalidad e infinitud.
Para recordar al inmortal maestro de Eisenach, les comparto el video en que Magdalena Kozená canta un aria de la Cantata 30, recreando un episodio imaginario (que todo músico habrá soñado alguna vez...).
«María Magdalena y la Lamparilla» - detalle
/ Georges de La Tour
El Sábado Santo se distingue
por la expectación de la Pascua inminente, pero bajo un clima de
espiritualidad contenida, “todavía en brumas”. Me pareció, pues, que esas
características se avienen con una obra del barroco francés que vale la pena
conocer: el
De Profundis escrito
por Michel-Richard de LALANDE, músico que
atrajo la poderosa admiración de Luis XIV. A partir de cierto momento,
y al parecer por petición del Rey,
De LALANDE se consagró a la música
religiosa, sin descuidar una que otra producción instrumental para teatros o
agasajos de palacio. Así, se transformó en el gran cultor de una forma
característica de aquellos momentos, el Grand Motet, obra sacra que reúne a solistas, coro y orquesta de mayores dimensiones,
expresión del anhelo de grandeza que distinguió el reinado de Luis XIV. Pero
conviene destacar —no sea que lo miremos en menos— que nuestro compositor era
dueño de grandes cualidades artísticas: armonía sobria y muy expresiva,
belleza melódica con huellas de estilo italiano, y pleno dominio del
contrapunto. Todo un maestro, y una figura señera en la música francesa de
todos los tiempos.
Les dejo hoy el
De Profundis en la
histórica interpretación del contratenor y director inglés
Alfred Deller acompañado por
The Deller Consort, el Coro de cámara de Viena y la Orquesta de Cámara de
la Ópera vienesa.
Por anticipado, ¡que tengan una feliz Pascua! Aprovechando el guiño francés,
un saludo también a un querido amigo de esta página,
Robin.
Días atrás se cumplió otro aniversario del nacimiento de Claudio Arrau(* Chillán, Chile, 6 Feb. 1903— † Mürzzuschlag, Austria, 9 Jun. 1991) que merece un buen recuerdo. El genial pianista chillanejo deslumbró siempre con el profundo vínculo interpretativo que lo unió al repertorio romántico austrogermano. No es extraño, ya que por vía de su maestro Martin Krause, Arrau fue vástago legítimo de la escuela alemana fundada por Franz Liszt. Tanto, que este último compositor encontró en el imprevisto heredero latinoamericano a uno de sus traductores privilegiados.Pero en sus años mozos Arrau había ejercido también como colosal campeón de la música de Bach (ofreció la integral de su obra para teclado en maratónicos conciertos durante los años 30, los cuales cimentaron su fama europea). Luego abandonó voluntariamente ese nicho alegando que el piano moderno traicionaba las necesidades propias de la música barroca, opinión que mantuvo prácticamente el resto de su vida. Casi. Porque en los años finales tuvo una afortunada retractación. Las “paces” con Bach quedaron plasmadas en las grabaciones que estaba realizando para Philips cuando lo sorprendió la muerte.
Les comparto uno de los siete volúmenes de la Colección Arrau: The Last Sessions, recopilación del último proyecto en que estuvo involucrado el maestro chileno. La colección entera es un tesoro y les recomiendo, tanto como puedan, adquirirla.En este volumen íntegramente dedicado a Bach podremos disfrutar las Partitas número 1 y número 2 para teclado. Arrau recupera su larga amistad con el creador barroco en un enfoque muy propio, sin obligarse a tempos rápidos, antes bien, asumiendo la velocidad que él considera adecuada para beneficiar la música y su mensaje. No es «romantizar» a Bach, sino tratarlo con la honestidad de un artista superior que eligió caminar a distancia del historicismo estricto, más ocupado de ese antiguo afán por hallar justamente lo que la partitura sólo sabe sugerir y el intérprete debe encontrar.¡Disfruten este disco en el enlace inferior!:
El magnífico director germano-israelí OTTO KLEMPERER fue y sigue siendo, sin discusión posible, una de las grandes batutas de todos los tiempos. Hombre sufrido —tenía una alarmante facilidad para los accidentes físicos, además de padecer trastornos depresivos—, su talento debió enfrentarse a la persecución a medida que el nazismo fue haciéndose con el poder en Alemania, y tras la Segunda Guerra su carrera no parecía ofrecer muchas esperanzas. Pero el productor inglés Walter Legge, en un gesto visionario, lo puso al frente de la Orquesta Philharmonia una vez que Karajan volvió a Berlín. Ese último fogonazo de gloria se tradujo en interpretaciones referenciales del repertorio centroeuropeo más tradicional. Klemperer digirió a menudo como invitado, también, y pese a la acritud ocasional de su carácter, su figura concitaba el máximo respeto entre sus colegas.
Hoy les comparto un registro en vivo de 1957, en el cual nuestro director dirige la Suite para Orquesta número 3, en Re mayor, de Johann Sebastian Bach, y la Sinfonía número 4 en Mi menor de Johannes Brahms.
Los tiempos lentos que lo distinguían no perjudican la intensa expresividad que lograba insuflar en las obras, como también su insólita capacidad para destacar los planos sonoros y el característico sonido vivo y variado que matizaba su estilo como intérprete. La Cuarta Sinfonía no es para nada lenta; sólo el Tercer movimiento exhibe fluctuaciones notorias (muy válidas), mientras los otros se desarrollan a tempi perfectos. Bach, por otro lado, recibe un trato glorioso aunque imbuido del antiguo concepto romántico, apoyado en la plenitud de los medios orquestales (ideal que Stokowski llevará mucho más lejos) y no, como se estila hoy, procurando el sonido “original” o aliviando texturas. Para nada. Pero no significa que el director lo interprete todo igual, y eso importa dejarlo claro:Klemperer concibe a Bach de manera distinta a Brahms, empleando un sonido que es, sí, fiel heredero de Mahler, Bruckner o Wagner, pero adaptándolo a diferentes objetivos estéticos.El resultado es una maravilla, como les anticipé en el título.
Disfruten dos grandes interpretaciones, amigos y amigas:
Sta. Cecilia, mártir y Patrona de la Música / estatua en un altar
Un gran felicitación a quienes visitan esta página atraídos por el Arte de los Sonidos, quizá el más conmovedor de todos y vehículo privilegio para la expresión humana. Les dejo una breve ilustración músical con el arte luminoso de Händel y su “Oda para el día de Santa Cecilia”: el coro “From Harmony”.
Les comparto uno de esos descubrimientos que alegran el día o la noche o el resto de la semana. Un talentoso músico y usuario de YouTube exhibe en esa página sus “iluminaciones”, para darle un nombre, de la música de grandes maestros. Recuerden lo hecho por Disney con la Toccata y Fuga de Bach en la película “Fantasía” y podrán captar mejor la idea: asignar un grado de visibilidad a un arte abstracto como es la música pura.Hoy por hoy, un auditor promedio no está para nada habituado a percibir varias capas de música en relación unas con otras, navegando parámetros de armonía y ritmo cuidadosamente elaborados y arrojando como resultado una totalidad artística. Pero ése, ni más ni menos, era el nivel de exigencia que un músico se imponía a sí mismo para aspirar a la consideración pública en tiempos de antaño. Y los asistentes a los conciertos también gozaban de cierta instrucción para evaluar esas destrezas. Es lógico: la música es un lenguaje, y eso supone comunicación, es decir, el encuentro de varios en el marco de un código común.Las líneas de colores destacan los temas que Bach desarrolla siguiendo técnicas de fuga y contrapunto. Pero cualquier explicación es letra muerta: vean ustedes mismo cómo estas habilidades compositivas cobran vida propia. Adentrémonos en el pensamiento musical de Bach:
De acuerdo al antiguo Calendario Juliano, el cual se mantenía vigente en los territorios alemanes del siglo XVII, hoy 21 de marzo nació en la ciudad de Eisenach uno de los mayores músicos de nuestra historia: Johann Sebastian BACH, al que Antoni Ros-Marbà ha llamado con acierto «epicentro de la música occidental». Y aunque el aniversario “oficial” coincide con el 31 de marzo, que es la fecha ajustada a nuestro actual calendario gregoriano, aun así un compositor tan enorme merece reiterado festejo. Así pues, les dejo una de las obras capitales de don Juan Sebastián, la Chacona en Re menor, BWV 1004, acompañada por algunas de las muchas frases que ha suscitado su música en grandes nombres de la cultura universal. Hélène Grimaud interpreta la Chacona en Re menor (BWV 1004) de Johann Sebastian Bach, en soberbia adaptación al piano de Ferruccio Busoni
Concierto frente al monumento a Bach en Eisenach, 1954
»AL OÍR LA MÚSICA DE BACH tengo la sensación de que la eterna armonía habla consigo misma, como debe haber sucedido en el seno de Dios poco antes de la creación del mundo.«
— Goethe
»ESTA SEMANA he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino BACH, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una persona que —como yo— ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios.«
— Friedrich Nietzsche
»LA CHACONA [BWV 1004] es en mi opinión una de las más maravillosas y misteriosas obras de la historia de la música. Adaptando la técnica a un pequeño instrumento, un hombre describe un completo mundo con los pensamientos más profundos y los sentimientos más poderosos. Si yo pudiese imaginarme a mí mismo escribiendo, o incluso concibiendo tal obra, estoy seguro de que la excitación extrema y la tensión emocional me volverían loco.«
— Johannes Brahms
El tiempo me ha faltado en este período del año y así, les pido me perdonen esta breve presentación al disco que les obsequio hoy, para celebrar las fiestas pascuales: una fantástica colección de obras instrumentales escritas por el maestro veneciano Tomaso Albinoni en una versión de 1966 a cargo del legendario conjunto I Musici.
Corren días inciertos en que hasta el aire susurra amenazas y atropellos. En la batahola no son los delicados bolsillos de ciertas corporaciones (que no artistas) los más dañados, sino la cultura misma, atrapada en apetitos financieros más allá de los cuales no se la deja llegar. En fin, hasta que la calma retorne a los acontecimientos y sepamos entonces cuál es el nuevo panorama, prefiero seguir colocando a su alcance, amigos, amigas, la música que tanto quiero, la que merece llegar al corazón, la que fue escrita para todos cuantos pudieran oírla.
Hoy les obsequio una serie de conciertos que siempre me arrebatan, debidos a la inspiración y maestría de un genio intemporal, Bach, que juega con las posibilidades de cada instrumento y combinación a su alcance. El melodismo y vivacidad italianas (y su admiración personal hacia Vivaldi) cede paso en otros a la abstracción germánica, pero en cada caso brilla la fenomenal capacidad de síntesis estilística que distingue al genio de Eisenach. Sobre todo, las músicas de este disco nos devuelven la fe en la belleza y en la inspiración verdadera, abierta a lo superior a sí misma, desprendida de mezquindades, gracias a la cual los seres humanos podemos encontrar motivos de orgullo a pesar de nosotros mismos. La versión corre a cargo del impecable Trevor Pinnock y The English Concert.
Nuevamente la música “históricamente informada” está de duelo, nuevamente el cáncer arrebata una figura descollante de la interpretación. Hace poco tiempo lamentamos en esta página la partida de Montserrat Figueras. Ahora nos toca despedir a Gustav Leonhardt, el gran maestro holandés del clavecín, quien falleció el pasado lunes 16 de enero en Ámsterdam. Con él se cierra una aventura musical que renovó nuestra visión del pasado.
Asociado a nombres eminentes como Nikolaus Harnoncourt, Frans Brüggen, Anner Bylsma, depuró junto a ellos el estilo interpretativo del barroco. Leonhardt fue también un pedagogo fecundo que supo formar numerosos discípulos. Famoso por su rigor, su enjuta figura y su desinterés por los primeros lugares, Leonhardt convirtió la empecinada tranquilidad holandesa en la mejor herramienta de descubrimiento. Recuperó a innumerables compositores menores, recorrió iglesias alpinas para tocar en órganos olvidados y tuvo una pasión predominante cifrada en un apellido de cuatro letras: Bach.
Recordaremos, pues, al insigne clavecinista y organista neerlandés con las Variaciones Goldberg, de su compositor más amado. Bajo el link de descarga dejaré el enlace a una valiosa entrevista concedida por el finado maestro.
SEGUNDA PARTE Y FINAL de las entregas dedicadas a las Cuatro Estaciones según Vivaldi y según Piazzola, a los cuales se agrega esta vez Nicolas Chédeville.
por Ernesto Nosthas
Justo es comentarle al auditorio que existe al menos una grabación adicional de este mismo concepto VIVALDI/PIAZZOLLA [compartido en anterior posteo], y es la que realizaron los Solistas de Cámara de Salzburgo bajo el liderazgo de su primer violín Lavard Skou-Larsen cuatro años después que esta grabación de Gidon Kremer y la Kremerata Baltica para el sello vanguardista Nonesuch Records.
He de reconocer incluso al auditorio, que yo conocí del ciclo de Piazzolla por este disco (no por el de Kremer), el cual tuve el privilegio de adquirirlo de las manos de los ejecutantes, luego de un Concierto en que este grupo interpretó precisamente este doble-ciclo, en el Auditorio Cerritos (Cerritos Center for the Performing Arts), un bellísimo teatro modernista ubicado al sur de la ciudad de Los Ángeles, en el otoño de 2004.
Así pues, repito la pregunta hecha en la entrega anterior: ¿otra grabación de las Cuatro Estaciones de Vivaldi? Sí… pero créanme cuando les digo que también esta interpretación es muy especial. Acá el enfoque es más fogoso y chispeante. Este conjunto instrumental es brillante, y comparten con la Kremerata que la edad promedio de sus ejecutantes es de menos de treinta años. Especial atención les pido para el «Invierno» más genial de todos los que conozco, incluso unos milímetros mejor que el de Kremer.
Acá el enfoque para presentar las obras es conservador, cada obra se ejecuta por separado y en la misma secuencia de estaciones: del verano al invierno, con una toma de sonido en vivo espectacular. El arreglo para violín y cuerdas utilizado por los Solistas de Cámara de Salzburgo bajo el liderazgo de su primer violín Lavard Skou-Larsen ha sido preparado por el chelista y compositor ítalo-argentino José Bregato.
Bregato junto con Piazzolla crearon la Vanguardia del Tango en 1955 y apoyó al maestro Piazzolla en la creación del Octeto Buenos Aires, junto a otros grandes músicos, produciendo la gran «revolución tanguera» porteña. En 1976 fue solista de la orquesta sinfónica de Porto Alegre, Brasil, y en 1978 creó los conjuntos de cámara de la Universidad de Natal, Brasil. Regresó a la Argentina en 1982 y refundó el Archivo de Música Popular y Clásica de SADAIC. Recibió el premio a la Trayectoria de SADAIC y también fue distinguido por su trayectoria por el Gobierno Autónomo de la ciudad de Buenos Aires. Asimismo, es co-ganador del Premio Grammy Latino2002 en la categoría Tango por su trabajo como arreglador del CD «Adiós Nonino» realizado por el Amazonia Quartet de Brasil. Sus composiciones para violonchelo solista y orquesta, o para dúos y tríos clásicos, tales como «Graciela y Buenos Aires», «Milontán» y «Malambo» forman parte del repertorio de famosos conjuntos de cámara europeo y norteamericano.
Como parte de esta oferta musical que solo pueden encontrar en QUINOFF, les comparto también este CD de las «Ocho Estaciones» con los Solistas de Cámara de Salzburgo bajo el liderazgo de su primer violín Lavard Skou-Larsen.
Finalmente… estos intentos de flirtear con la magna obra maestra de Vivaldi no son para nada nuevos… del baúl de lo insólito, les comparto otro registro de un intento de plagio descarado que intentó realizar un oscuro escribiente musical francés de nombre Nicolás Chédeville(* 20 de febrero de 1705— † 6 de agosto de 1782).
Este caballero hizo alguna fortuna en la vida cortesana parisina anterior a la Revolución Francesa, escribiendo composiciones dirigidas al entretenimiento y el placer de acaudalados músicos aficionados: la aristocracia francesa de la época les gustaba entretenerse tocando instrumentos rústicos mientras recreaban hipócritamente la vida cortesana en sus palacios de verano en la campiña francesa.
Sus primeras obras publicadas fueron colecciones de piezas para musette o zanfona, tituladas «Amusements champêtres» (diversiones campestres), las cuales fueron publicadas en diciembre de 1729. Posteriormente compuso otra colección de «Amusements…» mucho más avanzadas técnicamente y con alguna substancia musical. Algunas obras interesantes se pueden encontrar en la colección de su opus 6, con piezas musicales que llevan el nombre de batallas y expresan imágenes bélicas; inspiradas en campañas militares que le eran compartidas en las Cortes. Poco después Chédeville evolucionó a un estilo compositivo más serio influido por la música italiana como puede observarse en su op.7, la única colección escrita específicamente para flauta, oboe o violín, ello con una notable influencia de la escuela veneciana, cuyos máximos representantes fueron Vivaldi, Corelli y Torelli.
En 1737 mantuvo un acuerdo secreto con Jean-Noël Marchand para publicar un colección propia como la obra «Il pastor fido», op. 13 de Vivaldi. Chédeville proporcionó el dinero y recibió los beneficios, todo esto atestiguado en un acta notarial de Marchand en 1749. Esto parece ser un burdo intento de vender el instrumento que él fabricaba, la musette, bajo el supuesto respaldo de un repertorio de obras de un gran compositor. En esa misma línea, en agosto de 1739, obtuvo los derechos legales para publicar arreglos para la musette, zanfona o flauta de los conciertos de varios composiciones italianos y franceses de la época, en cuenta, Vivaldi. De este entuerto surge un arreglo de «Las Cuatro Estaciones» de Vivaldi para zanfona o musette, violín y flauta (aunque el término francés para flauta también puede referirse igualmente a la flauta dulce), en la cual retoma la mayoría de las «Estaciones» de Vivaldi con excepción del Verano, el cual es reemplazado por su concierto nº 9, op.8, transferido al movimiento intermedio del Invierno al Otoño. Además sustituyó el Invierno con su Concierto op.8 n° 12.
Para diversión de nuestro auditorio, les compartimos también una grabación de «Le printems», o «Les saisons amusantes» de 1739 en interpretación del Palladian Ensemble (registro del sello Linn que mereció en 1998 el Diapason d’Or).
Les comparto uno de los siete volúmenes de la Colección 
»AL OÍR LA MÚSICA DE BACH 
»ESTA SEMANA 
»LA CHACONA [BWV 1004] 
He de reconocer incluso al auditorio, que yo conocí del ciclo de Piazzolla por este disco (no por el de Kremer), el cual tuve el privilegio de adquirirlo de las manos de los ejecutantes, luego de un Concierto en que este grupo interpretó precisamente este doble-ciclo, en el Auditorio Cerritos (Cerritos Center for the Performing Arts), un bellísimo teatro modernista ubicado al sur de la ciudad de Los Ángeles, en el otoño de 2004.
Este caballero hizo alguna fortuna en la vida cortesana parisina anterior a la Revolución Francesa, escribiendo composiciones dirigidas al entretenimiento y el placer de acaudalados músicos aficionados: la aristocracia francesa de la época les gustaba entretenerse tocando instrumentos rústicos mientras recreaban hipócritamente la vida cortesana en sus palacios de verano en la campiña francesa.
