El Día de SAX

Google rindió homenaje a Adolphe Sax (1814-1894), el luthier belga que inventó el Saxofón en 1840, con 26 años. Sin quererlo —de hecho sin saberlo— patentó la futura voz del jazz.

SAX nació en un hogar vinculado al arte de la fabricación instrumental. Su padre tenía un taller para instrumentos de viento donde el pequeño Sax comenzó como aprendiz. Se familiarizó con las virtudes y defectos de flautas, clarinetes, oboes, fagotes... Lidiando contra ciertas limitaciones del clarinete fue como Sax acabó por concebir y fabricar su propio instrumento, en el cual conserva la boquilla con lengüeta típica del clarinete o del oboe, además del sistema de llaves, pero elige un cuerpo metálico y le da el diseño característico en forma de pipa. Tenía claro lo que perseguía con su invento: uno que «por el carácter de su voz pueda aproximarse a los instrumentos de cuerda, pero que tenga más fuerza e intensidad». Había nacido el saxofón.

Sax fue el primer intérprete de su criatura —el primer saxofonista del mundo…— y así comenzó a captar la atención de grandes músicos. Héctor Berlioz fue el primero en escribir una obra conocida para saxofón, el sexteto Canto Sagrado, en 1844. Elogió al nuevo miembro de la familia de los vientos: «Es de tal naturaleza que que no conozco ningún instrumento actualmente en uso que pueda comparársele, a ese respecto. Es pleno, blando, vibrante, de enorme fuerza y susceptible de endulzar». Con el tiempo otros grandes autores pedirán al saxofón como integrante de la orquesta (Ravel en su Bolero, Rajmáninov en sus Danzas Sinfónicas) o le asignarán un rol principal (Debussy en su Rapsodia para orquesta y saxofón, Glazunov en su Concierto para saxofón de 1935).

Segmento solista confiado al Saxofón por Sergéi Rajmáninov en la primera de sus Danzas Sinfónicas / Con esta elección el creador ruso ratificó su excepcional oído para el sonido orquestal y de paso firmó una de sus melodías inolvidables. Años después, para el estreno de las Danzas en la URSS, el gobierno soviético vetó al saxofón (!) por considerarlo emisario cultural de EE.UU. (!!) y la melodía fue reasignada a dúo de clarinetes y fagotes.

El saxofón fue haciéndose un espacio en el repertorio sinfónico pero sobre todo en las bandas y orfeones, para las cuales había sido pensado. Era un invento exitoso y Sax pudo sentirse satisfecho. Lo que no llegó a saber es que a contar de la década de 1920 el saxofón sería adoptado por el jazz y su popularidad se dispararía en todo Occidente, llegando a ser uno de los instrumentos musicales más populares del siglo XX junto con la guitarra eléctrica. Sus facilidades mecánicas y la belleza de su sonido, que Sax supo mantener homogéneo a lo largo de su extensión, cautivaron a músicos tan imprescindibles como Charlie Parker o Lester Young, y confirió el sonido característico a las Big Band estadounidenses.

A 201 años de su nacimiento, Adolphe Sax disfruta una aplaudida inmortalidad.

No sólo Lennon o Gould tienen su estatua sentada... / Estatua de Sax a la entrada de su museo en Dinant, la ciudad que le vio nacer

MOZART en arreglo para Conjunto de Armonía (vientos de metal y madera)

»El triunfo del emperador Maximiliano«, colección de escenas pintadas sobre madera / Copia española anónima de un original de Hans Burgkmair

Decir “vientos de metal y madera” suena nerudiano… pero se refiere aquí a algo bastante específico: instrumentos musicales que funcionan al soplar en ellos, y denominados a partir del material con que están construidos. El sonido que generan tiene un “color” característico y muy atractivo. Aunque los violines y sus parientes (“la familia de las cuerdas”) hayan sido los primeros en alcanzar un canon de formas físicas y técnicas de uso, estos otros instrumentos tendrán su momento no mucho después.

Durante la Edad Media Tardía y el Renacimiento los “vientos” habían encontrado gran campo de difusión en las numerosas ceremonias que matizaban la vida social. El barroco prefirió los bronces, pero las refinadas cuerdas impusieron su prestigio en los salones y las primeras orquestas estables. Por mientras, las bandas militares mantenían el uso más tradicional de los instrumentos de metal y de la percusión —avivar el ímpetu guerrero— y desde allí, asociadas a la nobleza mediante sus notorios comandantes, esas mismas bandas fueron trabajadas para obtener una agrupación de capacidades más pulidas. El experimento era simple: asociar instrumentos de viento cuyos timbres empastaran bien y distribuir las diferentes alturas del sonido entre ellos. Eso dio origen a combinaciones variadas, que no cuajaron en un paradigma como el Cuarteto de Cuerdas, pero sí lograron una entidad definida para la cual se compusieron piezas específicas o adaptaciones de obras celebradas.

Así, este género instrumental conoció gran auge en Europa desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta mediados de la centuria siguiente. Se las llamó Harmonie (Bandas de Armonía) y a su repertorio específico, Harmoniemusik. El propio Mozart les rindió una forma de homenaje incluyéndolas en el Acto Final de su “Don Giovanni”, cuando el burlador disfruta un banquete mientras escucha una selección de óperas famosas convertidas en Harmoniemusik. (También Mozart, con su oído para la orquesta, tonificó el color instrumental mediante las maderas).

Y hablando del rey de Roma: Mozart será hoy nuestro invitado. Colecciones de dos óperas justamente célebres, “Die Zauberflöte” (La Flauta Mágica) y “Così Fan Tutte” (Así hacen todas) adaptadas a Conjunto de Armonía e interpretadas por el Linos Ensemble — integrado por dos oboes, dos clarinetes, dos cornos, dos fagotes y contrabajo—. Las transcripciones pertenecen a dos períodos diferentes: “La Flauta Mágica” fue arreglada en 1792 por el desconocido músico Joseph Heidenreich; “Così fan Tutte”, en cambio, fue trabajada por Andreas Tarkmann en 1991, quien también hizo algunos necesarios retoques al título anterior. La sonoridad es preciosa, algo que pueden comprobar por sí mismos en el enlace al final de estas líneas. ¡Disfrútenlo!

» D E S C A R G A

MP3 ABR ~ 216 kbps 48 kHz | 24 tracks | RAR 121,2 MB

THE CAT PIANO

El “Piano de Gatos” —o Gatórgano según otros “tratadistas”— es uno de esos productos de alguna imaginación torcida que se gana un lugar en los anales de lo desquiciado. Mencionado por el músico y escritor francés Jean-Baptiste Weckerlin —quien a su vez cita al renacentista Juan Cristóbal Calvete—, esta máquina abominable consistiría en un teclado cuyo mecanismo atormentaba a una hilera de gatos “distribuidos según su registro” para componer una escala musical. Afortunadamente, no consta que jamás haya sido construido alguno...

A partir de estos mimbres el estudio “The People's Republic Of Animation” creó un premiado cortometraje, que les presento a continuación. ¡Disfrútenlo!

EL OCTABAJO: cuando el tamaño sí importa...

El gigante de las cuerdas...

Decíamos ayer que la familia de las cuerdas tuvo artífices que lograron un canon ejemplar en la fabricación de sus instrumentos. Verdaderos genios artesanos que, empleando técnicas muchas veces inventadas por ellos mismos, crearon perfección.

Contemplando esos instrumentos, sus proporciones cuidadosas o sus fascinantes detalles, uno se da cuenta que responden a un ideal bien delineado. La proporción era, sin duda, una variable fundamental. Pues bien, llegó el momento en que el interés se dirigió a las partes no exploradas del territorio sonoro. Había llegado el Romanticismo, y con él, la aventura de la desproporción.

Berlioz dirigiendo una de sus obras / caricatura de la época

Jean-Baptiste Vuillaume (* Mirecourt, 7 Oct. 1798; † París, 19 Marzo 1875) fue uno de los grandes luthier franceses de todos los tiempos. Inició el aprendizaje del oficio en su ciudad natal, trasladándose a París en 1818. En 1825 se hizo socio de Nicolas Antoine Lété de Sommières. Esta asociación duró hasta 1827 y, al año siguiente, Vuillaume estableció su propia firma en el número 46 de la calle Croix des Petits Champs. Allí comenzó a imitar el aspecto de los antiguos violines cremoneses. En 1860 trasladó su taller al número 3 de la calle Demours, en el distrito parisino de Ternes, donde permanecería activo hasta su muerte.

Habilísimo artesano e investigador, Vuillaume legó a la posteridad unos 3 mil instrumentos, y en su faceta de inventor nos dejó el OCTABAJO.

Este instrumento imponente (casi alcanza 4 metros de altura) requiere que el intérprete se suba a una pequeña escalera construida al costado de la propia caja de resonancia. Como es imposible afinar las cuerdas con la mera aplicación de las manos, el octabajo cuenta con un sistema de palancas y pedales. Sus tres cuerdas producen sonidos dos octavas (16 notas) más abajo de lo que puede hacerlo el contrabajo. Una de las cuerdas está afinada en el Do más grave que existe, casi al límite de la capacidad auditiva humana, y en cualquier caso más allá del alcance de todos los instrumentos creados hasta la fecha, incluidos los pedales del órgano. Aun en tales profundidades, el Octabajo es capaz de resonar con potencia. Berlioz, que menciona al instrumento en su célebre Tratado de instrumentación, lo incluye en el corpus instrumental de su Te Deum, ofrecido en la inauguración de la Exposición Universal de París de 1855. También Wagner elogió su sonoridad. En la literatura habitual el Octabajo tiene poca presencia, aunque su capacidad única para la generación de notas graves atrajo el interés de los estudiosos del sonido. Vuillaume creó tres octabajos: el prototipo, confeccionado en París el año 1849, ardió en el incendio de un teatro londinense; el segundo, restaurado en 1975, se exhibe en el Museo de la Música de París; el tercero fue adquirido por el Zar pero hoy está en Viena.

A continuación les dejo un par de videos en que podrán conocer el sonido que emite el instrumento.

Les recomiendo visitar también los siguientes links:

• http://www.violinstudent.com/history/october/october7.html

• Sitio Web del Octabajo (en italiano)

LOS “LUTHIER”

Un luthier en su taller

La sapienza è figliola dell’esperienza — “La sabiduría es hija de la experiencia”, recitaba Leonardo da Vinci. Y justamente la experiencia es la madre de los instrumentos musicales tal como hoy los conocemos. Un centenario proceso de decantación ha ido fijando medidas y proporciones (cánones) que, si nunca son del todo perpetuas, sí pueden ufanarse de haber rozado, en muchos casos, la perfección.

Por ejemplo, la familia de los violines (o para ser exacto, de los instrumentos de cuerda frotada) convirtió al mejor de sus artífices en ícono de excelencia: Stradivarius. Los instrumentos del luthier cremonés, en la actualidad reducidos a unos 650 de los 1.100 que construyó, apetecidos por los intérpretes y los coleccionistas, llevan consigo el persistente enigma de su fabricación perfecta, nunca más igualada. Algunos buscan la clave en el barniz, otros en la madera, otros en las proporciones pitagóricas... pero el “misterio de Stradivarius” sigue abierto.

Stradivarius

Es interesante citar parte de un artículo que puede leerse en la Web:

“El arquitecto romano Vitrubio (siglo I a. de C.) escribió un tratado titulado Los diez libros de la Arquitectura, en el cual establecía tres características que debían reunirse en una obra arquitectónica: firmitas (solidez o estructura), utilitas (utilidad o funcionalidad) y venustas (belleza o estética). Podemos extrapolar perfectamente estos tres elementos aplicándolos en el campo de la luthería.”

Estas tres cualidades distinguen ejemplarmente a los violines fabricados por los luthiers de Cremona. Pues no sólo hubo un Stradivarius; aunque parezca increíble, todos los grandes violines fueron fabricados por tres familias, los Amati, los Stradivari y los Guarnieri, en un rincón de Cremona, población del norte de Italia (fuente). Sus productos son tan irrepetibles y definitivos como una catedral gótica, una espada tradicional nipona o un huevo de Fabergé. En efecto, el sonido de cada violín difiere entre sí, como si sus artífices, a la manera del mito de Pigmalión, hubieran querido dotar con un “alma” propia sus creaciones.

Estos logros clásicos (literalmente, es decir, que constituyeron la clase, la norma de su género) siguen vigentes hoy y no me cabe duda que lo seguirán siendo en el futuro. Siglos después, cuando los compositores del Romanticismo iniciaron la experimentación sonora merced a sus intuiciones, los luthier alumbraron creaciones desconcertantes. Una de éstas será motivo de la siguiente entrada. Hasta entonces, les dejo en compañía de la perfección violinística: el Concierto en Si menor para cuatro violines de Vivaldi, en interpretación de Leonid Kogan y David Oistraj junto a sus hijos Igor (Oistraj) y Pavel (Kogan).

EL JUEGO DEL GATO [Solución]: MÚSICA PARA ARMÓNICA DE CRISTAL

El disco que contiene la pequeña pieza musical de nuestro concurso tiene por título MUSIC FOR GLASS HARMONICA (Música para Armónica de Cristal).

La armónica de cristal es un instrumento de la familia de los idiófonos (instrumentos musicales en los cuales la totalidad del instrumento produce el sonido, es decir, todo el instrumento vibra), mejorado por Benjamin Franklin en 1762, después de ver en Cambridge, Inglaterra, un concierto de copas de vino llenas de agua tocadas por Edmund Delaval.

Consiste en una serie de platos o boles de cristal de diferentes tamaños superpuestos y alineados horizontalmente, atravesados por un eje conectado por correa a un pedal que los hace girar mientras se toca, a la manera de una vieja máquina de coser. Actualmente tiene un registro de cuatro octavas. Se toca mojando los dedos ligeramente y tocando los platos mientras giran, lo que produce un sonido cristalino.

En algunos lugares estuvo prohibida porque se la consideraba dañina. Se decía que provocaba cáncer en quienes la tocaban; aunque hoy en día se sabe que la causa real era el plomo con el que antiguamente se hacían los cristales y que también podía ser causa de saturnismo, motivo por el cual su uso vuelve a ser cada vez más frecuente, eso sí, con armónicas fabricadas de cristales sin plomo.

Entre los músicos que compusieron obras para este instrumento encontramos a Hasse, Carl Philipp Emmanuel Bach, Mozart, Beethoven, Donizetti, Richard Strauss...

En el disco encontraréis algunas de estas composiciones y otras, de otros compositores, adaptadas para este instrumento. La pista número quince recoge la adaptación de la partitura para flauta en la célebre escena de la locura de la ópera Lucia di Lammermoor de Donizetti.

El intérprete es el virtuoso de este instrumento Thomas Bloch, el mismo a quien vemos sobre estas líneas durante un recital, y un poco más arriba durante un concierto acompañado de otros instrumentos.

Salud, paz y una sonrisa por favor.

Elgatosierra

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• MÚSICA para ARMÓNICA de CRISTAL
Parte 1 | Parte 2

La Voz de la tierra: BALALAIKA

Reunir instrumentos folclóricos para formar una orquesta es un concepto muy interesante. Lo sabía bien Vasily Vasilievich Andreyev (1861-1918), un violinista que devino en virtuoso de la domra y la balalaika. Con ayuda de un luthier, Andreyev amplió la familia de sus instrumentos ideando variedades piccolo, contralto, bajo y contrabajo.

Andreyev con su orquesta a principios de 1900 — fama y gloria antes de la Revolución

Pero era un hombre inquieto y no se detuvo ahí. En 1888 fundó una gran orquesta folclórica para emprender con ella resonantes giras a través de Europa e incluso América. Este éxito inspiró la formación de una agrupación similar en 1917, un año antes de morir Andreyev. Dadas las nuevas circunstancias en Rusia, esta segunda orquesta recibió el título de “Estatal” (verdadero nihil obstat político), aunque con el tiempo asumiría el nombre de su director más famoso, Nikolai Osipov, quien a su vez ampliaría la paleta tímbrica de la formación añadiendo acordeones, flautas pastoriles, cornos rústicos y otros instrumentos populares (perdón: proletarios).

La calidad musical de este invento queda fuera de discusión, ya que sus miembros provenían del Conservatorio de Moscú u otras academias musicales de rigor equivalente. Hoy la orquesta goza de buena salud bajo el nombre “Orquesta Nacional Académica Rusa de Instrumentos Folclóricos”.

Aunque la balalaika (tocada con los dedos) y la domra (tocada con un plectro) siguen siendo los instrumentos “fundadores”, la orquesta incluye también cuernos pastoriles, flautas (parecidas a nuestras zampoñas latinoamericanas) y gusli, antiguo instrumento ruso de 11 a 36 cuerdas, pellizcadas por el músico con el instrumento apoyado en las rodillas. Vale la pena mencionar que el más famoso intérprete de Gusli fue... Sadko, inmortalizado en la obra de Rimsky-Korsakov.

A continuación, el link de descarga:

» mp3 | VBR ~ 230 kBit/s | 48 Hz | .7z 87,4 MB | scans

Kamarinskaya, Aire Popular Ruso – Orquesta Osipov video de 1953.

EL ARPA CELTA

Tres cosas no podían ser embargadas a un hombre endeudado en el Gales medieval: ni su caballo, ni su espada… ni su arpa. Este detalle pintoresco, contado por Chautebriand, revela la inmensa consideración recibida por aquel instrumento en la Gran Bretaña de los celtas.

Nacida en Oriente como casi todo, el arpa llegó a las islas británicas en algún momento del siglo VI. Su sonoridad cautivó a los bardos, esos hombres cuyo oficio era retener la memoria, y los acompañó a través de Irlanda, Escocia y el resto de Inglaterra.

Cuando los reyes ingleses alcanzaron la hegemonía sobre el territorio británico, se empeñaron en erradicar las costumbres de los reinos sometidos practicando una verdadera “conquista cultural”, que alcanzó extremos de dureza con Isabel I y Oliver Cromwell: los bardos eran ejecutados y las arpas destruidas. Junto a la gaita, el arpa se convirtió en un instrumento proscrito.

Pero esa voz hostilizada volvió. Y les traigo ahora un disco dedicado al Arpa Celta, con un repertorio que abarca desde la Edad Media hasta la actualidad. El disco es bueno. Tanto, que alguien me lo sacó y todavía no me lo devuelve... Afortunadamente existía una copia que obsequié a un amigo, y de ella pude recuperar la música que hoy les comparto. A falta de folleto, completé la información con ayuda de Internet (pueden ver el folleto pulsando aquí).

La grabación proviene de 1977 y el intérprete es Regis Chenut, de quien nada he podido averiguar más allá de su nombre. Pero definitivamente es una de las grabaciones más sugestivas y mejor conseguidas que he escuchado en este género apodado “celta”. Chenut nos habla mediante la música de sus manos. Para embelesarnos se sirve del cristalino acontecimiento de sus cuerdas, cuya pureza de sonido se aviene muy bien con esta luminosa época del año. Disfruten la tradición instrumental que los bardos iniciaron hace mil años, AQUÍ.

Si el bardo cantara hoy las antiguas gestas…