La QUINTA antes de SCHÖNBERG [Cuarteto con Piano n°1 en Sol menor]

Brahms en 1853, con veinte años cumplidos

Seamos puristas: una transcripción puede ser genial, pero el original siempre estará más arriba. No mencionen los “Cuadros de una Exposición” porque ahí me confundo; en cuanto a Brahms, en cambio, estoy seguro. Aquí les traigo el Cuarteto con Piano número 1 Op. 25 de la manera en que fue concebido y, para quienes se entretengan leyendo música, la partitura. Inmersión total en este Brahms de juventud.

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El cuarteto con piano es una formación inusual: tres instrumentos de cuerda (violín, viola y violoncello) con los cuales el piano nunca acaba de empastar porque el sonido se produce de distinto modo (cuerdas frotadas unos, cuerdas percutidas el otro). Esta dificultad puede explicar que no exista literatura muy abundante para esta clase de cuarteto, ni tampoco agrupaciones estables dedicadas a estas obras. Para tocarlas, la costumbre es que conjuntos de cuerdas ya consolidados inviten a un buen pianista (y prescindan del segundo violín) o bien cuatro instrumentistas independientes se reúnan para abordar este subgénero.

Les ofreceré ambas alternativas. Basta pinchar en las imágenes para descargar la música respectiva.

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Por una parte, en un registro de 1982 el pianista húngaro Tamás Vásáry se asocia con tres artistas igualmente excepcionales: el violinista Thomas Brandis, el violista Wolfram Christ y el cellista Ottomar Borwitzky. Aprecio mucho esta versión porque tiene nervio, espíritu y ningún exhibicionismo. Particularmente me gusta el sonido de Vásáry, virtuoso que antepone el corazón y evita que la velocidad se robe la nitidez. Los cuatro logran un notable balance de cuerdas y piano y un delicioso sentido del rubato que se agradece en el rondó final, nada atropellado y con un toque áspero y temperamental adecuado al estilo gitano que pretendía imitar Brahms.

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Por otra parte, en un registro de 2005, el Trío Leopold incorpora al extraordinario pianista canadiense Marc-André Hamelin (quien parece desconocer el término “dificultad”, igual que Kissin). Como el trío estable que son, los “Leopold” se conocen y logran un “sonido mutuo”, bien integrado, demostrando además un hermoso sentido de la dinámica. Es una versión más impetuosa. Hamelin exhibe prodigiosa técnica y, claro, la presencia del piano es más enfática. No está mal; en los días de este Opus 25, Brahms era un pianista componiendo cuartetos sin renunciar a su propio instrumento.

PARTITURA. Pueden apreciarla AQUÍ, cortesía del excelente sitio el-atril.com

La QUINTA de BRAHMS...

...al menos eso decía Schönberg para referirse a su orquestación del Cuarteto con Piano en Sol menor Op. 25 de Brahms. Era un desahogo de su ironía y eso me simpatiza, aunque el “Señor Doce Tonos” me parezca en otras lides tan inaccesible como un murallón de concreto.

Pero dejemos eso y vamos a este arreglo espectacular que hoy comparto con ustedes.

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La idea de orquestar el cuarteto de Brahms fue cosa de Klemperer, que se esforzaba a principios del siglo pasado en promocionar a Schönberg con escaso éxito, y el camino de las transcripciones le pareció una buena manera de tentar al público. Herr Schönberg explicaría más tarde sus motivaciones con exactitud mordaz:

“Mis razones: 1. Amo esta pieza. 2. La tocan muy poco. 3. Siempre la tocan muy mal, y cuando el pianista es bueno, peor, porque toca fuerte y nadie oye las cuerdas. He querido, aunque sea una vez, poder escucharlo todo, y lo he conseguido”. Hasta ahí vamos bien. La literatura fantástica viene justo a continuación: “Mis intenciones: 1. Ajustarme rigurosamente al estilo de Brahms, y no ir más allá de donde habría ido él mismo si estuviera vivo. 2. Obedecer rigurosamente todas las leyes observadas por Brahms, sin romper ninguna de aquellas que solamente conocen los músicos educados en su mismo ambiente”. Schönberg, disonante honesto, no remata con un “lo he conseguido”. Pues, si bien su orquestación emula el estilo instrumental del solitario maestro de Hamburgo, no se priva de sonidos que Brahms nunca utilizó: metales con sordina, xilófono, glissandi de trombones, glockenspiel... Incluso el adorno conocido como grupeto, aunque escrito de puño y letra por Brahms, al ser magnificado por las cuerdas agudas en combinación con los metales empieza a “oler a Wagner”, quien usaba la misma figura ornamental en sus melodías.

¿Lo que digo parece reproche? Para nada: Don Arnoldo era un arreglista de enorme imaginación, capaz de pasar de lo mínimo a lo máximo (trasladar una obra de cámara como ésta a la plantilla sinfónica) y viceversa (llevar la mismísima Canción de la Tierra, de Mahler, a una orquesta de cámara).

Por su parte, en los años de esta composición Brahms no se había refugiado detrás de ninguna barba. Este primer cuarteto es muy melódico, expansivo, pero con rasgos inconfundibles: claridad de exposición, reelaboración temática a partir del mismo material (para Schönberg, el germen de la “variación continua” que tomaría él mismo como bandera), cierto pesar que aún no es “otoñal” y momentos “heroicos” que parecen clamar (en la versión original) por una realización sinfónica.

Esa que Schönberg le supo dar. Y que pueden gozar ustedes, impúdicamente, AQUÍ.

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En la próxima entrega, el Cuarteto con piano de Brahms en su versión original.

Más VIVALDI con piel de BACH

Le toca el turno a otra transcripción bachiana de un original vivaldiano: el Concierto para órgano en Do mayor BWV 594, cuyo modelo es el Concierto Grosso Mogul en Re mayor, RV 208. Enérgico, atrevido y virtuosista, el concierto del Prette Rosso era un reto al violinista de su tiempo. Bach atrapa ese violín en los teclados del órgano barroco, permitiendo el lucimiento del ejecutante y el deleite del auditor.

Deleite que dejo a vuestro alcance, AQUÍ.

EL TRANSCRIPTOR TRANSCRIPTO

“¿Qué miran?” — Bach en su querido órgano de tubos

Las transcripciones de Bach han causado más de algún sarpullido. A la larga, la culpa es del siglo XIX. En esta maravillosa centuria ocurrieron dos cosas (entre otras): se asentó el concepto de “genio”, y los grandes artistas fueron mitificados. Aunque no era una época precisamente devota, aquellas dos actitudes asumieron ribetes religiosos. El nacionalismo (sin zeta todavía) ascendía en ese conglomerado de estados alemanes que buscaban una nueva identidad, y los músicos geniales del pasado fueron, para un pueblo profundamente musical, una credencial de validación histórica. Ponerles una mano encima era poco menos que sacrílego.

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Pero el bueno de Bach, ajeno a tales discusiones, se lo pasó muy bien copiando italianos (y franceses y otros más). Particularmente a un italiano. Cura además. Y Rojo. Mucho antes que hubiera un Ernesto Cardenal, ya Venecia tenía su Prette Rosso: el Padre Antonio Vivaldi, músico genial en todo el alcance del término, virtuoso del violín (de lo demás no se sabe), estupendo organizador de espectáculos artísticos, de formas musicales (le debemos el concierto tripartito) e inimitable pintor de la naturaleza. Pero nada dura para siempre: la popularidad, amante voluble, se olvidaría de su presbítero, quien a su vez sacudiría las musicales sandalias para marcharse a Viena, donde acabaría sus días.

Quizás nunca supo ese violinista pelirrojo, asmático y aventurero que uno de sus más fervientes admiradores vivía en tierras germánicas y había convertido varias de sus piezas en magníficos Conciertos de órgano, echándole además una manito en aquello del contrapunto, técnica donde don Juan Sebastián no tenía rival.

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Compartiré con ustedes, en entregas sucesivas, los tres Conciertos de órgano de Bach basados en otros tantos de Vivaldi. Comenzaremos AQUÍ con el Concierto en La menor BWV 593, transcripción del Concierto vivaldiano para dos violines en la misma tonalidad — Me saludan a Prokofiev, yo me quedo hoy por aquí.

LA RECETA: Crepes en Torta a la Florentina

Nosthas propone, Quinoff pospone... Así pareció ser el lema hasta este momento, cuando por fin logro colocar en el blog la receta de Ernesto. ElGatosierra sugirió titular la sección como música de Telemann, “Tafelmusik”, añadiendo una música que acompañe las viandas. Y aquí vamos.

La Receta de Ernesto NOSTHAS

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¡Hola amigos! Después de un breve retiro regreso renovado y entusiasmado por el grupo de amigos que estamos rodeando al buen QUINOFF. Venimos de una tristeza grande con la partida de nuestro querido Cuervo, pero si el tuvo el poder de reunirnos en vida y crear para compartir, ahora que está en mejores manos que nosotros (ampliando el horizonte de Mahler para los cielos), justo es que nos reunamos y sigamos creando con la sonrisa en los labios y la esperanza en el corazón.

Luego de los comentarios de las Estaciones de Tchaikovsky, el buen Gato nos inspira a brindar con un Louis Roederer Cristal Magnum, por lo que para hacerle eco en un brunch dominical, les propongo esta delicia tan fácil de preparar como sabrosa de degustar: CREPES EN TORTA A LA FLORENTINA.

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Vamos en etapas. Primero SALSA CON QUESO, ESPINACAS Y CHAMPIÑONES, para ello necesitamos:

4 cdas de buena mantequilla
5 cdas de harina
2-3/4 tazas de leche caliente
1/2 cdta de sal
1 pizca de nuez moscada
1 pizca de pimienta
1/4 taza de crema para batir
1 taza de queso rallado Suizo – en esta parte les pido que busquen el mejor que puedan, un Emennthaler danés es una buenísima variación
1-1/2 taza de espinaca cocida, cómprenla fresca en el mercado
1 taza de queso crema o requesón, un buen ricotta también es bien recibido
1 huevo
1 taza de hongos (champiñones) en rebanadas previamente sofritos en mantequilla con 2 cdas de cebolla

Luego ocupémonos en la MASA PARA 12 CREPES

1 taza de agua fría
1 taza de leche fría
4 huevos
1/2 cdta de sal
2 tazas de harina cernida
4 cdas de mantequilla derretida tibia

PREPARACIÓN DE LA MASA

Mezclar todos los ingredientes con una batidora a una velocidad alta por 1 min, colar esta masa. IMPORTANTE al menos refrigerar por 2 horas. Poner una sartén que no se pegue (de teflon), untar con mantequilla o aceite, a fuego moderado hasta que empiece a humear poquito. Sacar del fuego y rociar con 1/4 taza de la masa. Vertiendo en el medio del sartén para repartir por todo el sartén. Volver el sartén al fuego y dejar por 1 min. Darle la vuelta cuando el crepe se suelte en la sartén, dar la vuelta y cocinar otro min. Siga el mismo procedimiento hasta terminar con la masa. Mantener las crepes calientes dentro de un lienzo delicado y de preferencia en una sarten amplia que conserve el calor.

Y finalmente, viene la PREPARACIÓN DE LA SALSA — Si quiere hacer más crepes tiene que doblar la receta en proporciones.

En una sartén derretir la mantequilla, mezclar con la harina y cocinar suave por 2 min, sin que agarre color. Retirar del fuego y batir la leche, sal, pimienta, nuez moscada. Hervir revolviendo por 1 min. Bata la crema en la mezcla reservando 2 cdas del queso Suizo. Dejar hervir lentamente por unos minutos; probar para corregir el sazón. Batir varias cucharadas de esta salsa con la espinaca probándola cuidadosamente para corregir el sazón.

Luego batir el queso crema, con el huevo, los hongos y varias cucharadas de la salsa hasta que forme una pasta espesa, luego corrija la sazón a su gusto.

PREPARACIÓN DE LAS CREPES — Con las crepes ya cocinadas que tengan 6" a 7" de diámetro que preparamos previamente. Una fuente redonda para hornear ligeramente enmantequillada (1 cda de mantequilla).

1. Calentar el horno a 375'F. Al centro de la fuente untada con la mantequilla poner una crepe, untarla con la espinaca. cubrir con otra crepe untarla con la mezcla del queso con hongos y continué así, alternando con los dos rellenos, terminando con el ultimo crepe sin mezcla.
2. Vierta el resto de la mezcla del queso sobre los crepes, y regar con el resto de las 2 cdas de queso Suizo; reservado sobre la torta de crepes. Poner 1 cda de mantequilla en pedacitos sobre las crepes.
3. Refrigérelo por 30 a 40 min, antes de servir, entonces coloque en la parte superior del horno precalentado y déjelo hasta que burbujee y el queso se dore ligeramente. Sacarlo y servir de inmediato como entrada con un buen champagne de preferencia, o un vino blanco.

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• MOZART | Serenata 'Haffner' | Primer movimiento

KARAJAN: Veinte Años no es Nada

Veinte años después. Como la novela de Dumas. Veinte años que no son nada. Como el tango. Veinte años en que Karajan sigue arriba del pedestal. Aunque el contexto cultural de donde surgió sea hoy cosa añeja; por más que la tradición musical de la cual era vástago haya sido reemplazada por nuevas sensibilidades; incluso cuando las “escuelas nacionales” se han diluido en la era de la globalización... Karajan permanece.

Cuando yo era una de esas criaturas extrañas que la ciencia denomina adolescentes, creía en un único director: Leonard Bernstein. Lo demás era condimento. Pero cierto día en casa de un amigo, comparando batutas, supe de Karajan. ¡Bendita ignorancia, condición para el gozo del descubrimiento! Mi amigo alabó la relevancia dada al timbal por este [desconocido] maestro germano y nos quedamos oyendo su Wagner. Empero, mi “conversión” tardaría un poco más — en Wagner seguí fiel adepto de Solti y Szell. Mi panteón personal estaba entonces muy despoblado; no había llegado el día de los dos Kleiber, de Furtwängler, de Harnoncourt, de Bruno Walter, de Fricsay, de Kondrashin... Pero antes que ellos sí llegó el día de Karajan, cuando lo escuché dirigir a Brahms, a Tchaikovsky y sobre todo a Beethoven. Esa capacidad innata para iluminar el sonido daba a su batuta algo de varita mágica.

Pero no todo era tan luminoso. Una sombra perseguía a este gran músico, y era su pasado en la lóbrega Alemania nazi. Había quienes tomaban la crítica musical para derivarla en crítica biográfica. Operación realmente cómoda pues, como dice un refrán, “tras la guerra todos son generales”. La historia de una posguerra la escriben los vencedores... y no siempre vence la verdad. En vez de ella se imponen las conveniencias y las versiones monocromas. Ernesto Nosthas se encargó hace un tiempo, a petición de Gabriel “Cuervo” López, de analizar el asunto, separando la paja del grano; ahora, auspiciado por el mismo Ernesto, quisiera homenajear al gran maestro austríaco republicando este ensayo.

Les invito a saltar a la casa del Cuervolopez otra vez, como en días de antaño, para repasar el concienzudo artículo... AQUÍ.

PROKOFIEV :: LAS SIETE SINFONÍAS :: Gergiev + Sinfónica de Londres

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Todo por decir que no:
—“No conozco a Prokofiev... No trago a Prokofiev... No me banco a Prokofiev... No le encuentro su qué a Prokofiev...”

Viene entonces el Sr. Nosthas y le desenfunda a uno LA INTEGRAL SINFÓNICA del camarada Serguei. Así es: a quemarropa. Con alevosía. Ni más ni menos que las siete sinfonías del maestro ruso, interpretadas por Valery Gergiev al mando de la Sinfónica de Londres en una grabación en vivo del año 2004. Ocurre entonces que decir no se vuelve tarea difícil, porque Prokofiev persuade. Aunque hagamos zapping entre las sinfonías como hago yo, diatónico a rabiar que no puede establecer domicilio en la turbulencia.

Habrá mucha gente feliz con estas siete obras tan increíblemente disímiles entre sí pero tan bien nutridas —no lo negaré— de inmenso talento. Está bien Ernesto: de auténtico genio. No voy a regatear el calificativo. Por cierto, semejante regalo viene endosado con estas palabras:

“¿Qué pasa cuando la técnica que inspiró ‘La Consagración de la Primavera’ se usa para componer una sinfonía...? ¡La Segunda! Ahhh... para destrozar tu casa a todo volumen, salvaje y primitiva, ¡una disonancia orgásmica! Ojo con la Quinta y especialmente —uhhhh— la Séptima. Incluye las dos versiones de la Cuarta.”

¡Un brindis por Ernesto! Ahora la consigna es: ¡a disfrutar!

• SINFONÍAS de PROKOFIEV

MP3 | 256 kbps | Archivo: 468,8 MB | .7z

BEETHOVEN,
el Gigante que nos contempla
desde el Olimpo

por Elgatosierra

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“Él lo sabe todo pero nosotros no podemos
comprenderlo aún; correrá mucha agua por el Danubio
antes de que todo lo que Beethoven ha creado
sea entendido por nosotros.”

Schubert

INTRODUCCIÓN

Ludwig van Beethoven es considerado muy frecuentemente uno de los compositores más grandes de la cultura occidental, si no el más grande, y esta afirmación suele dejarse en el aire, dando por sentado que nadie pondrá ninguna objeción al respecto. Se ha convertido es una constante con la que nos hemos acostumbrado a convivir.

Aunque no se sepa lo que es, todo el mundo reconoce inmediatamente las primeras notas de su Quinta Sinfonía, o canturrea inconscientemente el Himno a la Alegría de la Novena.

Pero ¿a qué se debe su altísima reputación? ¿Por qué las enciclopedias de música le dedican más espacio que a ningún otro compositor, las casas discográficas editan y reeditan sus obras permanentemente, las revistas especializadas no paran de analizar y comentar todos los aspectos imaginables de su vida y pentagramas, incluso las editoriales de libros de divulgación saben que los ensayos que a él se dediquen se venderán en poco tiempo, y las colecciones por fascículos de música clásica suelen comenzar por sus obras más famosas?

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La influencia de Beethoven sobre otros músicos, tanto de su tiempo como posteriores, es más que evidente. No cabe duda que Haydn, quien fue durante algún tiempo su maestro, ya comprendió su valía, aunque no pudiera asimilar conscientemente la extensión y profundidad de su verdadero valor; Schubert reconoció personalmente ese influjo; Mendelsshon, Berlioz, Schumann, Bellini, Dvorák, Bruckner, Wagner, Richard Strauss, Schönberg, Bartók y un largo etcétera le debieron muchas cosas. Y su herencia se deja ver con más o menos fuerza en sus obras.

Pero para algunos compositores en particular esa herencia se hizo, en ocasiones, casi insoportable. Brahms no se atrevió con la forma sinfónica hasta después de mucho tiempo, temiendo permanentemente que se compararía su primera sinfonía con la Novena de Beethoven, y Mahler no quería, inconscientemente, llegar a su novena para no transgredir los límites, así que tituló a la que debería haber sido aquélla como “Das Lied von der Erde”.

Incluso aquellos que menos pareciera que le deben, como Chopin o Liszt, no dejaron de beneficiarse de muchos aspectos que Beethoven conquistó como músico profesional, por ejemplo su independencia de la aristocracia, su total compromiso con el arte, su profundización en la música para piano y algunas otras cosillas que no son de menor importancia.

Beethoven — por Max Klinger

Muchos intérpretes le dedicaron toda su vida, volviendo recurrentemente sobre sus obras. Schuppanzigh le estrenó la mayoría de sus cuartetos; Mendelsshon, Berlioz y Liszt no pararon de popularizar sus obras; Wagner mitificó su Novena Sinfonía...

Habeneck, Búlow, Nikisch, Mahler, Richard Strauss, Toscanini, Mengelberg, Furtwängler, Walter, Schnabel, Gieseking, Klemperer, Backhaus, Kempff, Szell, Karajan, Gilels, Végh, Badura-Skoda, Brendel, Barenboim, etc., basaron, y algunos siguen basando, sus carreras, prácticamente, en la continua interpretación de sus composiciones.

Es mi intención, a través de una serie de post que llevarán el mismo título general que éste, tratar de dar las razones por las que aquella afirmación, de la que he partido más arriba, puede ser tenida por cierta, y los argumentos fundamentales serán las propias obras de Beethoven con una somera presentación.

También haré pequeños comentarios sobre generalidades relacionando su vida y su obra, con la música de su tiempo, su epistemología, el clasicismo, la teoría, la estética, las formas y los géneros, la interpretación, la educación...

No habrá en esta serie un afán de exhaustividad, por lo que sólo aparecerán aquellas composiciones que, a mi entender, resultan fundamentales para justificar mi propósito.

Seguiré un orden cronológico y trataré de abarcar todas formas musicales que Beethoven abordó a lo largo de su vida, e intentaré hacer una selección de las versiones a escuchar que permita aunar calidad, variedad y una cierta cultura discográfica del maestro.

Para poder comprender un poquito mejor todo lo que aquí iremos diciendo, sería interesante contar con algunas informaciones básicas y fundamentales que podrán consultar en la siguientes dos direcciones:

• El artículo correspondiente a Beethoven en la Wikipedia.

• El Sitio de Ludwig van Beethoven.